The City

Jacopo Gassmann, wenn man Ihren Lebenslauf durchblättert, fallen einem Ihre Vorliebe und Ihr großes Interesse für die britische Dramaturgie auf: Woher kommt das?

Mein Interesse an der britischen Dramaturgie, insbesondere an der zeitgenössischen Dramaturgie, hat seinen Ursprung in den Anfängen und hängt zum Teil mit meinem persönlichen, biografischen Weg zusammen: Ich habe englische und amerikanische Schulen besucht, zuerst in New York und dann in London studiert. Die angelsächsischen Länder haben eine andere Tradition als wir: Wenn man in London ins Theater geht, steht auf der Theaterkarte hauptsächlich der Name des Autors, während die Geschichte des italienischen Theaters, obwohl sie mit berühmten Dramatikern gespickt ist, eher von den großen Regisseuren geschrieben wurde, die klassische Texte zerlegten, fragmentierten und neu bearbeiteten. Die britische Tradition stellt in gewisser Weise den Autor an die erste Stelle, und das hat eine ganze Reihe von Konsequenzen: Die britischen, aber auch die amerikanischen Theater haben - was ich sehr schätze - Schauspielabteilungen, die eigenständige Gebäude sind, die parallel zu den Theatern laufen und mit ihnen kommunizieren. In Italien - und das ist ein persönlicher Kampf von mir, ich sage es immer - brauchen wir mehr Aufmerksamkeit für die zeitgenössische Dramaturgie, wir brauchen zeitgenössische Dramaturgieabteilungen in den großen festen Theatern. Dann gibt es auch noch eine Frage des Geschmacks und der ‚Übertragung‘ in Bezug auf bestimmte Autoren, die ich besonders schätze, aber der Diskurs ließe sich endlos fortsetzen. Sicherlich ist Crimp einer der interessantesten.

Neben der britischen Dramaturgie haben Sie bereits drei Texte des spanischen Dramatikers Juan Mayorga inszeniert; Ihre Arbeit an The Boy from the Last Stand wurde mit besonderem Interesse aufgenommen und mit einem Preis ausgezeichnet. Können Sie uns von diesen Erfahrungen berichten?

Juan Mayorga, der im Laufe der Zeit zu einer Art älterem Bruder geworden ist, war ein wahrer Meister für meine theatralische Forschung. Das Theater von Mayorga ist das Theater, das mich interessiert, es besteht aus Texten, die irgendwie offen sind, die Fragen aufwerfen; ich mag keine Stücke, die mir sagen, wie die Dinge sein sollen. Mayorga ist ein Philosoph, ein Mathematiker; er wendet sich an einen kritischen Zuschauer, indem er ihn auffordert, das Gesehene in sich selbst zu vervollständigen. Das ‚große Theater‘ ist das, was in der Erinnerung rekonstruiert wird und was etwas in uns auslöst, was uns erlaubt, die Fragen zu beantworten, die ein Text, eine Aufführung uns gestellt hat.
Meine erste Arbeit von Mayorga war in England. Dann habe ich in Italien [am Teatro Belli in Rom 2013, Anm. d. Red.] mit La pace perpetua debütiert - ein sehr seltsamer, kafkaesker Text, mit vier Figuren, die sprechende Hunde sind, Philosophen/neokantianische Hunde - und dann diese sehr schöne Erfahrung am Piccolo in Mailand [2019, Anm. d. Red.] mit Il ragazzo dell'ultimo banco, in dem die Geschichte zwischen einem Professor und einem besonders begabten Schüler zu einer Art Generationenkampf wird, aber es ist auch ein großartiges Spiel mit chinesischen Schachteln mit Zitaten aus großer Literatur.
Kurzum, ich kann sagen, dass es außergewöhnliche und prägende Erfahrungen waren.

Für Ihre erste LAC-Produktion haben Sie sich für einen Text von Martin Crimp entschieden. Erzählen Sie uns von den Gründen, die Sie dazu bewogen haben, diesen Autor und speziell das Stück The City auszuwählen?

The City ist ein Text, den ich schon lange kenne, den ich gelesen habe, als er geschrieben wurde - er wurde 2008 uraufgeführt - und der mich sofort beeindruckt hat.
Ich liebe das Theater von Crimp, einem Autor, der als Erbe von Pinter gilt, sehr, denn es ist ein nicht-naturalistisches Theater, anders als so viele englische Theater. Crimp wendet sich gegen eine gewisse britische Tradition des Naturalismus. Sein Theater würde ich als „post-apokalyptisch“ bezeichnen, das nach der Explosion und Fragmentierung des Wortes, der Sprache, entsteht; er setzt die Asche der Sprache selbst zusammen, und in diesem Sinne ist er ein wenig der Erbe Pinters, aber auch Becketts. Er ist ein anomaler Autor unter den englischen Autoren, und er ist auch ein sehr harter, in gewisser Weise rätselhafter Autor, der viele Fragen stellt, ohne sie zu lösen, und es dem Regisseur und den Schauspielern überlässt, dies zu tun.
The City ist ein beeindruckender Text, der sich von Crimps anderen, eher experimentellen Werken wie Attempts on Her Life, seinem bekanntesten und hyper-experimentellen Text, unterscheidet. Ich fand The City besonders faszinierend, weil es mit einem falschen Naturalismus spielt: Der Text hat alles in allem eine eigene Handlung, aber innerhalb der Geschichte gibt es mehrere Brüche, es gibt Crimps typische stilistische Merkmale. Es ist interessant, weil es ein ‚weicher‘ Crimp ist, ein weicher Crimp, der es einem erlaubt, einer Geschichte zu folgen. Es ist eine faszinierende Geschichte, die, wie bei den großen Texten, aus mehreren Ebenen besteht. Einerseits haben wir es mit der Beziehung eines Paares zu tun, das in eine Krise gerät; wir erleben diese Art des Bröckelns, des Zerbröckelns ihrer Beziehung im Laufe des Textes. Gleichzeitig verfolgen wir aber auch die Geschichte eines Übersetzers, der versucht, Schriftsteller zu sein; wenn man so will, kann man den ganzen Text als eine Reihe von Versuchen der Protagonistin Clair lesen, Entwürfe zu schreiben.
Es ist ein Text, der sich wie ein Rätsel, ein Mysterium enträtselt. Der Titel „Die Stadt“ verweist auf all die Nicht-Orte in den zeitgenössischen Metropolen: Gleich zu Beginn werden zwei große zeitgenössische Nicht-Orte erwähnt, ein Bahnhof und ein Unternehmen, das seine Belegschaft umstrukturiert, Orte, die scheinbar gebaut wurden, um uns von uns selbst zu entfremden. Die „Stadt“ ist auch eine großartige Metapher für die innere Stadt des Protagonisten, aber ich möchte nicht zu viel verraten.
Ein weiteres, sehr aktuelles Thema, das Chris, der andere Protagonist, erlebt, ist die Arbeitslosigkeit bzw. das Risiko, in dieser Welt der flexiblen Arbeitsplätze seinen Arbeitsplatz zu verlieren (Crimp nimmt sich in der Tat Richard Sennetts Buch Der flexible Mensch zum Vorbild).
Crimp ist in der Tat ein intellektueller Autor, aber Die Stadt ist auch ein zutiefst ergreifender und emotionaler Text: Alle Figuren scheinen an einem bestimmten Punkt in sich zusammenzubrechen, angesichts der Unmöglichkeit, in einer immer komplexer und schwerfälliger werdenden Welt voranzukommen; sie verflüchtigen sich in ihren Versuchen, zu existieren und sich mit Worten eine Identität zu geben.

Die italienische Version von Die Stadt wurde von Alessandra Serra übersetzt, die seit Jahren als offizielle Übersetzerin und Sprecherin eines Autors arbeitet, der die Geschichte des europäischen Theaters geprägt hat, wie Harold Pinter.
In der Vergangenheit haben Sie häufig Stücke aus dem Englischen ins Italienische übersetzt: Können Sie uns etwas über die Beziehung zwischen Übersetzungsarbeit und Regie erzählen?

In der Tat habe ich der Übersetzungsarbeit viel Zeit gewidmet: Bei fast allen anderen Erfahrungen, die ich mit dem Theater gemacht habe, habe ich versucht, die Texte selbst zu übersetzen - natürlich in den Sprachen, die mir zugänglich sind -, denn für einen Regisseur ist es wichtig, sich die Worte zu eigen zu machen, mit denen man dann auf der Bühne arbeitet.
Der Beruf des Theaterübersetzers ist ein besonderer Beruf, weil man ein gewisses Ohr für die Bühne haben muss. Übersetzen ist eine komplexe Aufgabe, es ist ein bisschen wie Umschreiben - hier kann man große Debatten führen, ob bestimmte Übersetzungen den Text mehr respektieren oder andere, die ihn verraten, ihn aber paradoxerweise mehr respektieren.
Auf jeden Fall ist der Beruf des Übersetzers ein Beruf, den ich sehr liebe. Und es ist interessant, dass eines der großen Themen von The City genau dies ist und dass der Protagonist ein Übersetzer ist.

Die Untertitel im Drehbuch zeigen uns kahle Schauplätze und die Protagonisten in Freizeitkleidung. Haben Sie diese Hinweise bei Ihrer Inszenierung beachtet? Und wie?
Für diese Inszenierung haben Sie Gregorio Zurla für die Bühnenbilder und Kostüme herangezogen: Können Sie uns etwas darüber erzählen?

Crimp liebt es, nicht nur die Regisseure, Schauspieler und Bühnenbildner, die sich mit seinen Werken befassen, vor Schwierigkeiten zu stellen, sondern auch die Zuschauer, da die sehr knappen Bildunterschriften selbst Rätsel aufgeben und oft Dinge andeuten, die im Widerspruch zu dem stehen, was die Protagonisten dann in ihren Zeilen sagen (z. B. sprechen Chris und Jenny während eines Gesprächs darüber, wie schön der Rasen des Gartens ist, in dem sie sich befinden, und Crimp schreibt in Klammern „es gibt keinen Rasen“).
Paradoxerweise lässt Crimp tatsächlich viel Handlungsfreiheit. The City ist ein Text, der eine Regievision auf viele mögliche Pfade führen kann, viele mögliche Pfade, die auf dieser sehr dünnen Linie zwischen Realität und Fiktion spielen. Was mir interessant erschien, war der Versuch, an einer Umgebung zu arbeiten, die nicht völlig kahl und leer war - das schien mir zu viel -, sondern die teilweise konkret war, teilweise plausibel ein Haus oder einen Teil eines Hauses. Wie in einem Traumprozess verweilen wir nur bei einzelnen Elementen, z. B. einem Sessel, aber dann fehlt das ganze Wohnzimmer. Ich hielt dies für eine interessante Vorgehensweise in Bezug auf diesen Text, der tatsächlich sehr traumhaft und halluzinatorisch ist.
Das Thema dieser Nicht-Orte in den großen zeitgenössischen Städten aufgreifend, die entfremdende Orte sind, die scheinbar geschaffen wurden, um uns das Leben zu erleichtern, die uns aber in Wirklichkeit abschotten (sogar von uns selbst), wurde unser Bühnenbild als eine vielschichtige Umgebung konzipiert, die so überschaubar ist, dass sie in bestimmten Momenten die Protagonisten selbst in klaustrophobische Orte einzuschließen scheint oder es auf jeden Fall ermöglicht, dass die Figuren voneinander getrennt werden.
Was die Kostüme anbelangt, so macht Crimp ziemlich genaue Angaben. Wir haben eine Reihe von Überlegungen angestellt, unter anderem die, uns die Aufführung in einer Art imaginärer Linie parallel zum kreativen Prozess des Protagonisten vorzustellen, also mit wenigen Farben, fast schwarz-weiß, zu beginnen und langsam kleine Farbflecken und neue Elemente hinzuzufügen.

Für dieses LAC-Debüt setzen Sie auf das Talent junger, vielseitiger Schauspieler...

Ja, auf jeden Fall, wir arbeiten mit sehr guten und willigen Schauspielern zusammen: Lucrezia Guidone, Christian La Rosa, Olga Rossi und die sehr junge Lea Lucioli.
Es handelt sich in erster Linie um eine Besetzung von Talenten, unabhängig vom Alter: gemeinsam erforschen wir einen komplexen Text, der bei den Proben oft in Sackgassen führt und dazu, dass wir Entscheidungen, die sicher schienen, widersprechen müssen. Die Tatsache - dieses Ja - mit jungen Schauspielern zu arbeiten, ist hilfreich, weil sie sich in gewisser Weise für eine Erkundung ‚ohne Netz‘ zur Verfügung stellen, sie sind auch bereit, sich auf dich einzulassen und neu zu beginnen. Und das ist es, was man mit einem solchen Text tun muss: Man kann Crimps The City nicht am ersten Tag mit allen Gewissheiten angehen; man muss sich in das Labyrinth hineinbegeben und hoffen, dass man irgendwann heil und gesund wieder herauskommt.

Anmerkungen zur Übersetzung
von Alessandra Serra

In einem Interview über Die Stadt sagt Martin Crimp: "Eines meiner Lieblingsbilder, um die Menschheit darzustellen, ist die Stadt, die ich zum Beispiel in dem Stück Die Stadt verwendet habe, ein Ort, an dem jeder Schriftsteller und jeder Künstler seine eigene Fantasiewelt erschafft, die er nach und nach erforscht; oder ein Labyrinth, in das er mit seiner Taschenlampe und einer Fadenspule eindringt, um sich nicht zu verirren, und durch die vielen Öffnungen schaut, wo er manchmal Gold oder manchmal ein Monster findet. Jeder nutzt seine Fantasie, um Entdeckungen zu machen, aber gleichzeitig dürfen wir nicht vergessen, dass es auch Regeln gibt, die zu beachten sind. Schriftsteller und Künstler stellen ihre eigenen Regeln auf und arbeiten innerhalb dieser Regeln".
In The City finden wir auch Crimps typische Unruhe, aber auch Bedrohung, psychologische Gewalt, Mobbing, Wirkungslosigkeit und vieles mehr.
Man spürt den Einfluss von Harold Pinter (1930-2008, Literaturnobelpreis 2005), der Crimp ebenso wie der Schotte David Harrower (1966) sehr schätzte, vor allem im Timing, im Rhythmus, in den gesprochenen und unausgesprochenen Zeilen, in den Subtexten, den Pausen und dem „vollen“ Schweigen. Andererseits hat Pinter alle Theaterkonventionen revolutioniert, und jeder, der heute für das Theater schreiben will, muss dies berücksichtigen, sonst läuft er Gefahr, schon vor der Aufführung veraltet zu sein.
 

Anmerkungen zu Bühnenbild und Kostümen
von Gregorio Zurla

Ein leerer Raum wie eine leere Seite, die gefüllt werden muss. Oder besser gesagt, mehrere Seiten hintereinander, die in einer anomalen, gegen die Unendlichkeit tendierenden Perspektive angeordnet sind.
Ein neutraler Raum, der so gestaltet ist, dass das kleinste visuelle Zeichen deutlich und kraftvoll hervortreten kann.
Es gibt keine Türen oder Fenster, nur eine Abfolge von identischen Räumen, in denen sich Objekte und Situationen vervielfachen, nur durch weiße Wände getrennt, die sich in Transparenz auflösen können.
Figuren und Gegenstände erscheinen wie Notizen auf einem Blatt Papier. Auszüge von Gedanken, manchmal unvollendet und Gegenstand von Überlegungen, kleinen, unmerklichen Veränderungen. Wie das Bedauern eines Malers (in diesem Fall eines Schriftstellers), der versucht, sich im Prozess zu korrigieren, um sich auf eine Idee, einen Gedanken zu konzentrieren.
Und so wie die Perspektive dieses Raumes ins Unendliche tendiert, so scheint auch die Verwirklichung dieses letzten Gedankens schwer zu erreichen.
 

Anmerkungen zum Beleuchtungsprojekt
von Gianni Staropoli

In der wachsenden Parabel des kreativen Prozesses mit Jacopo gibt es immer eine Fülle von Dialogen und künstlerischem Austausch. Von der ersten Lektüre an, vom ersten Kaffee an, vertiefen wir uns in den Text, die inneren Themen, die Atmosphären, die Hintergründe, die Farben, die Charaktere und alles, was auftaucht und uns im Grunde dazu bringt, uns Licht und Raum vorzustellen. Der Dialog zwischen den Mitarbeitern - in konzentrischen Kreisen - ist sehr lebendig und aktiv. Mit Gregorio und Jacopo ist es immer eine schöne kreative Reise, und für mich wird die Lichtgestaltung zu einer Bedeutungskonstruktion, die über die Dramaturgie des Lichts hinausgeht.
Das von The City ist ein Licht im Raum, indirekt: man sieht es (liest es), wenn man den Raum sieht; es ist da, aber es ist nicht da. Die Figuren in diesem szenischen Raum werden nicht von traditionellen Beleuchtungskörpern beleuchtet, die genau darauf ausgerichtet und positioniert sind, etwas hervorzuheben oder zu unterstreichen. Die Schauspieler erleben Raum und Licht irgendwie gleichzeitig, als eine einzige Ebene und Vision, eine visuelle Ebene, die vielleicht leichter, entfernter, durchsichtiger ist.
Die Zuschauer werden dank des Autors des Textes, dank unserer gesamten Inszenierungsarbeit und vor allem dank ihrer Vorstellungskraft über die gezeichnete Wand hinausgehen.

Anmerkungen zum Sounddesign
von Zeno Gabaglio

Punkt und Linie
Nein, der obige Titel bezieht sich weder auf das Grafikdesign noch auf den Morsecode, sondern soll an die Doppelnatur - Punkt und Linie - erinnern, die den Ansatz des Sounddesigns für The City kennzeichnet.
Jacopo Gassmann hatte von Anfang an sehr klare Vorstellungen über die musikalischen und klanglichen Elemente, die er mit den szenischen, textlichen und schauspielerischen Elementen in Dialog bringen wollte. So war ein wesentlicher Ausgangspunkt das Klangmaterial von Autoren wie Alva Noto, Ryoji Ikeda und Ryūichi Sakamoto (mit dem Cameo eines unvermuteten Weihnachts-Johnny Cash), dem originale Field-Recording-Elemente hinzugefügt wurden, um Umgebungsgeräusche zu evozieren, realistisch, aber nicht zu sehr.
Der Verweis auf Punkt und Linie verweist jedoch auf die Funktionen, die der Klang in der Show spielt. Einerseits - durch den Punkt - arbeiten wir auf einer narrativen Ebene, mit kurzen oder sehr kurzen Interventionen, um konkrete Präsenzen (Objekte, Natürliches) zu evozieren, die mit ihrem Erscheinen und Verschwinden präzise Ereignisse innerhalb und außerhalb der Figuren bezeichnen.
Linie hingegen bezieht sich auf jene Klangbänder mit einer breiten zeitlichen Dimension, die nicht von einem Geschehen erzählen, sondern einen Kontext suggerieren sollen. In der Bühnenmusik (aber auch in der Filmmusik) sind Klangbänder im Allgemeinen mit einer emotionalen Ebene verbunden, mit Gefühlen, die vermittelt werden sollen. Bei der Arbeit mit Jacopo für The City wurde jedoch sehr darauf geachtet, die emotionale Tragweite der Musik und damit der Szenen nicht zu konditionieren - oder schlimmer noch, sie nicht zu erzwingen. Die Klanglinie ist hier vor allem eine Epoche: eine Aufhebung, die nahelegt, dass es neben der semantischen Ebene des Empfindsamen noch andere geben kann. Bestätigt oder dementiert durch die Entwicklung der Aufführung selbst.
 

Anmerkungen zu den Bewegungen
von Sarah Silvagni

Ich hatte das Glück, schon bei den ersten Proben im Zuschauerraum dabei zu sein, dank der Sensibilität von Jacopo Gassmann, einem aufmerksamen und unermüdlichen Regisseur, der es mir ermöglichte, den faszinierenden und beängstigenden Moment mitzuerleben, in dem das Wort Gestalt annimmt.
Mine ist ein unsichtbares Werk der Beobachtung und des Sammelns, das sich im Grenzbereich bewegt, auf der Suche nach dem Rhythmus zwischen Raum, Körper und Zeit.
Wir haben uns in die dunkle Materie von Martin Crimps The City vertieft, meine Reisegefährten und ich, auf der Suche nach jenen wiederkehrenden Zeichen, die die Definition einer körperlichen Interpunktion erlauben könnten, um ihre Bedeutungen freizusetzen.
Wir befinden uns in einer szenischen Umgebung, die vom Prinzip der Distanz beherrscht wird, jeder ist in seiner eigenen Sphäre, in seinem eigenen inneren Raum eingeschlossen, die wenigen Momente der Intimität, der gemeinsamen Blicke zwischen Chris und Clair finden sich nur am Anfang, im Fluss einer scheinbaren Familienroutine.
Es beginnt mit dem Logos, dem Wort, das zunächst eine Brücke zwischen den beiden zu schlagen scheint, das aber schon bald in noch übermächtigerer Weise die Verweigerung jeder Möglichkeit der Begegnung sanktioniert.
Alltägliche Gesten zeigen erste Risse, allmählich, Bild für Bild, vergrößert sich die Distanz, es kommt zu Unterbrechungen, Stolperern und fragmentierten Wegen, auf denen die Körper in geschlossenen Räumen zwischen nicht wahrnehmbaren Membranen gefangen und isoliert bleiben.
Die Figuren bewegen sich auf Bahnen, die sich gegenseitig verfolgen, und gehen in Schluckauf durch Kontaktversuche, die in einer Unfähigkeit zu Nähe und Intimität scheitern. Die Körper scheinen in einem Nicht-Ort zu schweben, in dem Nähe paradox ist und in dem die seltenen Momente der Lebendigkeit in der Kontraktion der komprimierten Emotionen erlöschen.
Während sie sich durch die Räume bewegen, sehen wir, wie sie dieselben Muster und denselben Code wie eine kaputte Schallplatte wiederholen, die Handlungen werden immer absurder und bedeutungsloser, die Figuren beginnen sich zu entleeren, sich unbeholfen, „starr und farblos“ zu bewegen, und die Gefahr von außen schleicht sich ein wie ein kalter Luftzug zwischen den Rahmen eines schlecht geschlossenen Fensters.

von
Martin Crimp

Übersetzung
Alessandra Serra

Regie
Jacopo Gassmann

mit (in alphabetischer Reihenfolge)
Lucrezia Guidone
Christian La Rosa
Olga Rossi

und mit, zum ersten Mal auf der Bühne
Lea Lucioli

Bühnenbild und Kostüme
Gregorio Zurla

Beleuchtung
Gianni Staropoli

Sounddesign
Zeno Gabaglio

Bewegungen
Sarah Silvagni

Video
Simone Pizzi

Regieassistent
Stefano Cordella

Regisseur und leitender Bühnenarbeiter
Ruben Leporoni

Chefelektriker und Lichttechniker
Fabio Bozzetta

Tontechniker
Alberto Irrera

Produktions- und Bühnenschneider
Lucia Menegazzo

Szenen realisiert von
FM-Szenografie

LED-System realisiert von
Bestes Licht srl

Herstellung
LAC Lugano Kunst und Kultur,
Teatro Stabile del Veneto - Nationaltheater
Theater Elfo,

Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale,
TPE - Teatro Piemonte Europa

Martin Crimp

polnischstämmiger britischer Dramatiker und Theaterübersetzer, wurde 1956 in Dartford, Kent, geboren. Er ist der Sohn von John Crimp, einem Eisenbahningenieur, und dessen Frau Jennie. Im Jahr 1978 machte er seinen Abschluss in englischer Literatur am St. Catharine's College in Cambridge, wo sein erstes Stück, Clang, das von Beckett und Ionesco inspiriert war, veröffentlicht wurde. Bevor er sich als Dramatiker etablierte, widmete er sich der Belletristik und verfasste eine Sammlung von Kurzgeschichten, An Anatomy, und einen Roman, Still Early Days, die beide unveröffentlicht blieben. Im Jahr 1980 begann er am Orange Tree Theatre in Richmond zu arbeiten, wo seine ersten sechs Stücke aufgeführt wurden. Nach einer Tätigkeit als Drehbuchautor für Thames TV begann er 1990 mit dem Royal Court Theatre in London zu arbeiten, wo er 1997 Hausautor wurde. Neun seiner Stücke - darunter Attempts on Her Life (1997), sein bekanntester und innovativster Text, der in zwanzig Sprachen übersetzt wurde, und The City (2008) - sowie seine Übersetzung von Ionescos The Rhinoceros (2007) wurden an diesem Londoner Theater inszeniert, das für seinen Beitrag zur Entwicklung der modernen Dramaturgie bekannt ist. Er etablierte sich schnell als aufstrebender Dramatiker der neuen britischen Theaterszene und beeinflusste Autoren wie Sarah Kane. Seit Mitte der 1990er Jahre wächst sein Ansehen nicht nur in Großbritannien, sondern auch im Ausland, insbesondere in Europa: Er gilt heute als einer der interessantesten britischen Dramatiker und wird oft als der Harold Pinter des 21. Jahrhunderts bezeichnet. Er hat etwa 20 Stücke geschrieben, die fast alle übersetzt und in London und ganz Europa aufgeführt wurden.
Seine Stücke bieten einen kritischen Blick auf den moralischen und sozialen Verfall der postmodernen Gesellschaft, umreißen aktuelle Themen wie die Verwirrung und den Identitätsverlust des zeitgenössischen Individuums und untersuchen das Verhältnis von Realität und Fiktion. Stilistisch zeichnen sie sich durch trockene Dialoge, eine emotionale Distanz und einen düsteren Blick auf menschliche Beziehungen aus. Die verwendete Sprache, die eng mit der Realität verbunden ist, versucht, die Poesie in einem höfischen und rhetorischen Lexikon nachzuzeichnen und greift auf die scharfe Waffe der Ironie zurück, die eine bestimmte englische Dramaturgie, wie die von Becketti und Pinteri, kennzeichnet.

Alessandra Serra
Übersetzung

Geboren in Rom, hat sie im Ausland gelebt und dort ihre Studien abgeschlossen. Zurück in Italien, in Mailand, begann sie 1974, mit verschiedenen Verlagen zusammenzuarbeiten. 1979 gründete sie zusammen mit Tullio Riva den Verlag Serra e Riva Editori, der vor allem kleinere Werke bedeutender Autoren veröffentlicht. Im Jahr 1983 verkaufte er den Verlag an Mondadori, der unter demselben Logo, aber mit einer anderen Verlagspolitik weiterführte. Seit 1985 widmet sie sich ganz dem Theater und der Übersetzung von Stücken aus dem Englischen, Französischen und Amerikanischen. Seit 1989 ist sie die offizielle Übersetzerin und Sprecherin von Harold Pinter.
Sie übersetzt außerdem Werke von Arnold Wesker, Ronald Harwood, Martin Crimp, David Hare, Tom Stoppard, Don DeLillo, Ariel Dorfman, Eugène Ionesco, Hanif Kureishi, Yasmina Reza, John Osborne, Graham Greene, Greenaway und anderen. Viele seiner Übersetzungen werden in der Reihe „Collezione di teatro“ von Einaudi veröffentlicht. Er hat Kurzstücke für das Radio geschrieben, eine Adaption von Anton Čechovs Reparto 6 und Edgar Allan Poes The Philosophy of Composition, die beide in Italien aufgeführt wurden.

Jacopo Gassmann
Regisseur

Der 1980 in Rom geborene Jacopo Gassmann schloss sein Studium der Filmregie an der New York University ab und erwarb einen Master in Theaterregie an der Royal Academy of Dramatic Art in London. Während seines Aufenthalts in den Vereinigten Staaten besuchte er Theater- und Filmregiekurse an verschiedenen Universitäten und drehte mehrere Werke, darunter About the house (ausgewählt für den Wettbewerb Cineasti del presente beim Filmfestival von Locarno 2004). Er ist Autor von Dokumentarfilmen, darunter La voce a te dovuta, der auf verschiedenen internationalen Festivals gezeigt wurde, und Il più bel gioco del mondo. Im Jahr 2005 kuratiert und unterschreibt er die Regie von Il minore ovvero preferirei di no über das Leben und Werk von Ennio Flaiano. In den folgenden Jahren ist er für die künstlerische Auswahl des Internationalen Festivals von Palazzo Venezia und des Sole e Luna Doc Fest verantwortlich. Er übersetzt und adaptiert zahlreiche Theatertexte aus dem Englischen ins Italienische und arbeitet als Lehrer mit dem Experimental Directing Centre in Mailand zusammen. Zwischen 2010 und 2012 lebte er in London, wo er bei Juan Mayorgas Nocturnal Regie führte und in der Schauspielabteilung des Soho Theatre arbeitete. 2013 inszenierte er Mayorgas Perpetual Peace; 2015 eröffnete er den Trend New Frontiers of the British Scene und übersetzte und inszenierte Chris Thorpes Confirmation; 2016 übersetzte er Mike Bartletts Bull und übersetzte und inszenierte Thorpes There has possibly been an incident . Im Jahr 2017 übersetzte und inszenierte er Ayad Akhtars Disgraced , das beim Le Maschere del Teatro Prize als beste Regie und bei den Ubu Awards als bester neuer ausländischer Text ausgezeichnet wurde. Das Projekt The Theatre of Chris Thorpe gewinnt den Franco Enriquez National Prize 2018 für die beste Regie und Übersetzung. In der Spielzeit 2018/19 übersetzt er David Greigs Yellow Moon und Bartletts An Intervention . 2019 inszeniert er Mayorgas Il ragazzo dell'ultimo banco für das Piccolo Teatro di Milano, Finalist für den Hystrio-Preis als bestes Stück der Saison und Gewinner des internationalen Flaiano-Preises für Regie. 2020 inszeniert er Niente di me von Arne Lygre auf der Theaterbiennale von Venedig; im selben Jahr erhält er den Preis der National Association of Theatre Critics für Regiearbeit. Im Jahr 2022 inszenierte er Iphigenie in Tauride am Griechischen Theater in Syrakus; in der Spielzeit 2023/24 inszenierte er Macbeth von Giuseppe Verdi. Er ist Herausgeber der zeitgenössischen Theaterreihe Green room (Luca Sossella editore).
 

Lucrezia Guidone
Clair

Nach ihrem Abschluss an der Silvio D'Amico National Academy of Dramatic Art in Rom zog sie nach New York, wo sie ihre Ausbildung am Lee Strasberg Theatre and Film Institute fortsetzte. Im Theater arbeitet sie mit großen Namen der italienischen und internationalen Szene zusammen und debütierte mit Luca Ronconi in der Rolle der Stieftochter in In Search of an Author von Luigi Pirandello, wofür sie den Ubu-Preis erhielt. 2013 stand sie am Piccolo Teatro in Mailand mit Panico von Rafael Spregelburd auf der Bühne und 2014 mit Celestina von Michel Garneau, wiederum unter der Regie von Ronconi. Unter der Regie von Federico Tiezzi spielte sie in Pier Paolo Pasolinis Calderón , Arthur Schnitzlers La signorina Else und Sophokles' Antigone , für deren Rolle sie den Preis Le Maschere del Teatro Italiano als beste Schauspielerin erhielt. Am Teatro Stabile di Torino spielte sie die Jelena in Onkel Wanja von Anton Tschechow in der Regie von Kriszta Szekely. Sie erhielt außerdem den Virginia-Reiter-Preis und den Duse-Preis für ihre Theaterkarriere. Mit dem Teatro Stabile d'Abruzzo unterzeichnete sie ihre erste Theaterregie, in der sie den Roman L'Arminuta von Donatella Di Pietrantonio inszenierte, ebenfalls in der Rolle der absoluten Protagonistin. Sie ist die Gründerin und künstlerische Leiterin von The Lab, der Filmabteilung der Schauspielschule Point Zero in Rom. Im Filmbereich wirkt sie in erfolgreichen italienischen und internationalen Produktionen mit: Sie gewinnt den Flaiano Award als beste Schauspielerin für Noi 4 von Francesco Bruni; sie spielt die Hauptrolle in La ragazza nella nebbia von Donato Carrisi. 2017 gewann sie den „Giovani Talenti“-Preis von La Repubblica auf dem Festival dei due Mondi in Spoleto und den Preis als beste Hauptdarstellerin auf dem Melbourne Film Festival für Time Zone Inn. Im Fernsehen spielt sie in der Sky-Serie Where's Mario und den Netflix-Serien Luna Nera, Summertime und Fidelity mit. Im Jahr 2023 steht sie mit Mario Martones Romeo und Julia auf der Bühne und gehört zur Besetzung der Rai-Serie Mare Fuori 4. Im Kino wird sie in dem Film Eravamo bambini von Marco Martani zu sehen sein, der kürzlich bei Alice nella città vorgestellt wurde.

Christian La Rosa
Christoph

Der aus dem Piemont stammende Schauspieler schloss 2012 sein Studium an der Schauspielschule des Teatro Stabile di Torino ab. Im selben Jahr nahm er an dem internationalen Theaterworkshop unter der Leitung von Luca Ronconi auf der Biennale von Venedig teil. Im Theater arbeitet er unter anderem mit Carmelo Rifici, Valter Malosti, Massimo Sgorbani, Andrea Chiodi und Liv Ferracchiati zusammen. Im Jahr 2016 nahm er an der Inszenierung von Holy Ecstasy teil. Atridi: otto ritratti di famiglia, unter der Regie von Antonio Latella, und an dem Projekt Qualcuno che tace, nach drei Texten von Natalia Ginzburg, unter der Regie von Leonardo Lidi. Im Jahr 2017 war er Pinocchio in Antonio Latellas gleichnamigem Stück, eine Interpretation, die ihm den Ubu Award als bester Schauspieler unter 35 Jahren und den ANCT Award einbrachte. 2018 gehört er zur Besetzung von Spettri unter der Regie von Leonardo Lidi, dem Gewinner des Bando Registi unter 30 der Biennale von Venedig. Die Zusammenarbeit mit Lidi wird in den folgenden Jahren mit La città morta von Gabriele D'Annunzio, La signorina Giulia von August Strindberg, Il misantropo von Molière und Il gabbiano von Anton Tschechow fortgesetzt. In der Spielzeit 2019/20 arbeitet er wieder mit Latella zusammen, und zwar in Das Tal von Eden nach John Steinbecks Roman. Zu seinen jüngsten Theaterengagements gehören Macbeth, le cose nascoste und La pulce nell'orecchio von Carmelo Rifici, Animali domestici von Antonio Mingarelli und Dramma industriale von Giovanni Ortoleva. Er wechselt seine Tätigkeit als Schauspieler mit der eines Synchronsprechers ab. Er spielte in dem Film Una questione privata von Paolo und Vittorio Taviani und in den RAI-Fernsehdramen C'era una volta Studio Uno und Non uccidere 2 mit.

Olga Rossi
Jenny

Geboren und lebt in der Toskana. Sie besuchte die Schauspielschule des Teatro Stabile in Turin, wo sie im Jahr 2000 unter der Leitung von Mauro Avogadro ihren Abschluss machte. Anschließend trat sie in die Jugendkompanie des Turiner Theaters ein und wirkte in den drei Shakespeare-Produktionen Viel Lärm um nichts, Romeo und Julia und Ein Sommernachtstraum mit. Im Theater arbeitete er unter anderem mit Massimo Castri, Giancarlo Cobelli und Carmelo Rifici in La signorina Julie von August Strindberg und in L'officina von Angela Dematté. Im Jahr 2004 nahm sie am ersten Fortbildungskurs für Schauspieler am Centro Teatrale Santacristina unter der Leitung von Luca Ronconi teil, der sie später beim Festival Dei Due Mondi in Spoleto in dem Stück Lezioni inszenierte. Im Theater arbeitete sie mit Alessandro Gassman, Francesco Bolo Rossini und Alessandro Genovesi zusammen. Im Kino arbeitet sie mit Gabriele Salvatores, Rocco Papaleo, Giuseppe Loconsole zusammen und spielt in mehreren Fernsehserien mit, darunter Vita da Carlo mit Carlo Verdone, I delitti del Barlume, È arrivata la felicità und die Netflix-Serie La legge di Lidia Pöet, unter der Regie von Matteo Rovere.
 

Lea Lucioli

Kleines Mädchen
Sie wurde in einem kleinen Dorf im Val d'Orcia geboren, wo sie auch heute noch lebt. Das Theater, die Garderoben, die Straßen, die Städte sind die Orte ihrer Kindheit, Teil des Lebens ihrer Mutter und unweigerlich auch ihres eigenen.
Sie nimmt an den Theaterinitiativen ihrer Stadt teil und folgt den Kursen von M. Massari, wo das Theater in erster Linie ein Spiel ist, das aus Geschichten, kleinen Ritualen und zeitlosem, althergebrachtem Zauber besteht, der nach und nach immer noch Leidenschaften erhellen und entfachen kann.
Aufgrund einer mehr oder weniger zufälligen Reihe von Begegnungen und Überschneidungen, die unweigerlich das Leben eines jeden von uns beleben, wurde sie nach einem Vorsprechen in Rom von Jacopo Gassmann ausgewählt. Die Stadt ist ihr Theaterdebüt.

Gregorio Zurla
Bühnenbild und Kostüme

Gregorio Zurla, Absolvent der Akademie der Schönen Künste in Brera, arbeitete in seinen ersten Jahren als Bühnenbildassistent an den wichtigsten italienischen Opernhäusern, darunter Opera di Roma, La Fenice in Venedig, Comunale in Bologna, Maggio Fiorentino, Sferisterio in Macerata. Anschließend schlug er eine Karriere als Bühnen- und Kostümbildner ein und arbeitete mit zahlreichen bedeutenden Regisseuren zusammen, für die er Bühnenbilder und Kostüme sowohl für das Schauspiel als auch für die Oper entwarf; Darunter Jacopo Gassmann(Iphigenie in Tauride), Federico Tiezzi(Calderón, Antigone, Faust, Purgatorio, Antichi maestri, La signorina Else, L'apparenza inganna, Il soccombente), Valter Malosti(Il giardino dei ciliegi, Il misantropo), Cecilia Ligorio(L'italiana in Algeri, La Cenerentola von Gioachino Rossini), Virgilio Sieni(Metamorphosis), Marco Lorenzi(Otello, Come gli uccelli, Kamikaze), Stefano Simone Pintor(Il flauto magico, Ettore Majorana, Falcone, Alfredo il Grande), Filippo Dini(Agosto a Osage County), Silvio Peroni(Molto rumore per nulla), Claudio Autelli(Demoni von Fabrizio Sinisi, nach Dostojewski).
Er wurde bei den Ubu Awards als bester Bühnenbildner für Calderón und beim Le Maschere del Teatro Italiano Award für Antigone nominiert. Im Jahr 2011 gewann er mit dem Regisseur Pintor den zweiten Preis beim Europäischen Opernregiepreis, während er 2017, ebenfalls mit Pintor, den Europäischen Opernwettbewerb Oggi gewann.
Im Bereich der Mode arbeitete er mit Zegna zusammen und entwarf die Couture-Modenschauen 2015/16 und 2016/17. Zu seinen zukünftigen Projekten gehören Macbeth von Jacopo Gassmann, Fedra von Federico Tiezzi, Don Giovanni von Cecilia Ligorio, die zeitgenössische Oper Dorian Gray von Stefano Simone Pintor und Romeo und Julia von Filippo Dini.

Gianni Staropoli
Lichter

Er begann seine berufliche Tätigkeit 1997 in Zusammenarbeit mit dem Dichter, Autor, Regisseur und Schauspieler Marcello Sambati, dem Gründer des Ensembles Dark Camera, einer führenden Gruppe der römischen Avantgarde der 1970er Jahre. Im Jahr 2006 begann er, Licht und Bühnenraum als wesentliche und konstitutive Elemente der neuen zeitgenössischen Theatersprache zu studieren, zu überdenken und zu erforschen. Derzeit arbeitet sie mit verschiedenen Regisseuren und Choreographen für italienische und internationale Produktionen zusammen und leitet Meisterklassen und Workshops für Universitäten und Fachleute der darstellenden Künste über den Einsatz von Licht im Raum des zeitgenössischen Theaters und über die Dramaturgie des Lichts. Im Jahr 2020 nimmt er an der internationalen Studientagung Lumière Matière bei der Stiftung Giorgio Cini in Venedig teil. 2021 veröffentlicht er zwei Artikel: für La Falena, die Zeitschrift für Theaterkritik und Kultur des Teatro Metastasio in Prato, und für Lumière Matière (Universität Lille und Universität Padua). Im Jahr 2022 spielt er die Hauptrolle in dem Dokumentarfilm La parte maledetta. Viaggio ai confini del Teatro, ein Projekt des Teatro Akropolis. Er ist Tutor beim Ausbildungsprojekt Anghiari Dance Hub unter der Leitung von Gerarda Ventura. Er ist Tutor bei Téchne, einem Residenz-, Ausbildungs- und technischen Forschungsprojekt über Licht in der Lavanderia a Vapore in Collegno (Turin). Er ist Projektdozent an der Accademia Nazionale d'Arte Drammatica Silvio d'Amico in Rom. 2017 und 2019 erhielt er den Ubu Award für das beste Lichtdesign für die Shows Il cielo non è un fondale und Quasi niente von Deflorian/Tagliarini. Im Jahr 2022 war er Finalist des Ivo Chiesa - I Mestieri del Teatro Award.

Zeno Gabaglio
Klanggestaltung

Nach einem Cellodiplom, einem Master in freier Improvisation und einem Philosophiestudium (in Lugano, Basel und Florenz) widmet er sich der Musik in verschiedenen Formen, wobei er die authentischsten und - vielleicht - am wenigsten offensichtlichen Ansätze bevorzugt. Bis heute hat er fünf Platten veröffentlicht(Uno, Pulver&Asche 2007; Gadamer, Altrisuoni 2009; Niton, Pulver&Asche 2013; Tiresias, Pulver&Asche 2015; Cemento, Shameless Records 2021), mehr als vierzig Soundtracks (für Film oder Theater) geschaffen und an Konzerten in Europa, Amerika und Asien teilgenommen. Mit dem Trio Niton wurde er kürzlich in die Sammlung Interactions: A Guide to Swiss Underground Experimental Music aufgenommen und hat im vergangenen Jahr die Soundtracks für die Filme Lassù von Bartolomeo Pampaloni (Preis der Jury beim Trento Film Festival), Supertempo von Daniel Kemény, Arzo 1943 von Ruben Rossello, Ultime luci rosse von Villi Hermann und Hugo in Argentina von Stefano Knuchel geschaffen. Auf dem Gebiet des Theaters arbeitete er mit Carmelo Rifici für La pulce nell'orecchio, Ulisse Artico, Lingua Madre. Capsule per il futuro, Macbeth, le cose nascoste, Uomini e no, Iphigenia, liberata, Purgatorio und Gabbiano; mit Andrea Chiodi für Sogno di una notte di mezza estate und La bisbetica domata; mit Trickster-p für Eutopia, Book is a Book und Nettles; mit Antonio Ballerio für Non ogni notte la luna. Er ist auch Präsident der Unterkommission Musik des Kantons Tessin und Vizepräsident der SUISA-Stiftung.
 

Sarah Silvagni
Bewegungen

Die Expertin für Choreopädagogik mit jahrzehntelanger Erfahrung hat als Tänzerin und Performerin in Italien und im Ausland gearbeitet. In den letzten Jahren hat sie sich vor allem der Förderung kreativer Prozesse gewidmet, indem sie Regisseuren und Autoren bei der Pflege von Bewegungspartituren während der Konstruktions- und künstlerischen Forschungsphase zur Seite steht, sowohl im Bereich der Live-Performance als auch im audiovisuellen Bereich. Das Bedürfnis, ein kritisches Denken in Bezug auf Methoden und die Vermittlung von Körpersprachen zu entwickeln, hat sie dazu veranlasst, ihr Studium der somatischen Lernprozesse zu vertiefen. 2011 schloss sie ihre Ausbildung zur Lehrerin der Feldenkrais-Methode ab und erwarb 2021 das erste Niveau in der Analyse des Laban-Bartenieff-Bewegungssystems. Seit über zehn Jahren unterrichtet sie Bewegung und koordiniert den Schauspielkurs an der Gian Maria Volonté School of Cinematographic Art in Rom und arbeitet mit institutionellen Bildungseinrichtungen wie der Universität Roma Tre (Master Pedagogy of Expression), der Silvio d'Amico Academy of Dramatic Art und der Universität Turin zusammen. Er kuratiert partizipatorische Tanzveranstaltungen im öffentlichen Raum und DanceAbility-Workshops, an denen Profis und Laien mit unterschiedlichen Fähigkeiten teilnehmen, mit dem Ziel, die choreografische Umsetzung und Produktion so zugänglich und inklusiv wie möglich zu gestalten. In den vielen Jahren, in denen sie in engem Kontakt mit jungen Performern steht, hat sie zunehmend ein Bewusstsein für das Thema Zustimmung und Begrenzung entwickelt, das sie dazu veranlasst hat, das Safe Sets in Intimacy Coordination Training an der Anica Academy zu absolvieren; derzeit befindet sie sich in der Ausbildung zur SAG AFTRA Zertifizierung.

Simone Pizzi
Video

Sie begann ihr Filmstudium an der Katholischen Universität von Mailand, wo sie einen Master in digitaler Film- und Fernsehproduktion absolvierte. 2013 machte er seinen Abschluss in Filmregie an der Civica Scuola di Cinema „Luchino Visconti“ in Mailand; sein erster Kurzfilm mit dem Titel Sweet memory will die nahm an italienischen und internationalen Festivals teil.
2016 gründete er die Filmproduktionsfirma Habanero Film, mit der er seine folgenden Dokumentarfilme drehte: La strada per Canaan (Der Weg nach Kanaan ) und Come te stesso (Wie du selbst) behandeln das Thema der Begegnungen zwischen Ausländern und Italienern im Kontext der Konfessionen. Seine weiteren Werke befassen sich mit dem Thema der Pandemie: Homeland aus gesundheitlicher Sicht, L'onda lunga aus sozialer und wirtschaftlicher Sicht.
Sein neuester Dokumentarfilm Geschichten von Rebellen aus Liebe erzählt die italienische Resistenza anhand der faszinierenden Geschichte von Don Giovanni Barbareschi (1922-2018). Er arbeitet abwechselnd als Dokumentarfilmer und als Regisseur von Videoclips, Werbespots und Unternehmensvideos.
 

Stefano Cordella
Regieassistent

Regisseur, Autor, Psychologe und Theatertrainer. Nach seinem Psychologiestudium schloss er 2009 sein Studium an der Accademia dei Filodrammatici in Mailand ab. Er ist einer der Mitbegründer der Theatertruppe Oyes, deren künstlerischer Leiter er bis 2022 war. Er war für die Konzeption und Regie mehrerer Aufführungen verantwortlich und wurde 2018 mit dem Hystrio Iceberg Prize ausgezeichnet. In den letzten Jahren hat er häufig mit dem Teatro Stabile del Veneto zusammengearbeitet, für das er die Shows R+G, Amleto - Tutto ciò che vive, Quando tutto questo finirà produziert hat. Seit 2019 gehört er zu den Lehrern der Akademie Carlo Goldoni. Er gewann das Festival für Theaterregie Fantasio, aus dem er Lo soffia il cielo (nach Texten von Massimo Sgorbani) schuf, eine Produktion von Trentospettacoli, für die er auch Regie bei H - Il campione del mondo (7 Runden mit Ernest Hemingway) führte, und nahm an den Projekten Teatro Giornale von Roberto Cavosi und Spoon River von Angela Dematté teil.
Seit 2018 ist er Co-Künstlerischer Leiter von Hors, einem Festival für junge, aufstrebende Kompanien am Teatro Litta in Mailand, für das er auch die Inszenierungen Decameron - Una storia vera und La rivolta dei brutti inszeniert und derzeit an Dostojewskis Die weißen Nächte arbeitet.
Er war Regieassistent von Carmelo Rifici(Il compromesso), Ferdinando Bruni und Francesco Frongia(L'ignorante e il folle, La tempesta), Bruno Fornasari(Sospetti). Er wurde u. a. bei Declan Donnellan an der Biennale Teatro in Venedig ausgebildet. Seit 2013 ist er künstlerischer Co-Direktor des Theaters Nova Milanese.

LAC Lugano Arte e Cultura
20-21.02.2024

Teatro Verdi, Padova
28.02.2024–03.03.2024

Teatro Goldoni, Venezia
07-10.03.2024   

Arena del Sole, Bologna
14-17.03.2024

Teatro Astra, Torino
19-21.03.2024

Teatro Morlacchi, Perugia
23-24.03.2024

Teatro Elfo Puccini, Milano
02-07.04.2024